Crítica da Broadway de ‘The Who’s Tommy’: ainda uma sensação

Certamente, uma definição de boa música pode incluir a capacidade de enfrentar o presente – e o futuro – de frente e sair ileso, até mesmo triunfante. Por esse padrão e muitos mais, Quem é Tommyque estreia hoje à noite na Broadway, é uma prova emocionante de que o primeiro álbum conceitual de 1969 é realmente uma ótima música.

Gloriosamente dirigido por Des McAnuff e atualizado por ele e pelo compositor e letrista Pete Townshend de sua própria encenação original da Broadway em 1993, Quem é Tommy é uma onda ininterrupta de energia eletrificada, um pinball veloz de uma produção que sincroniza elegância visual com canções de 55 anos que soam tão vitais hoje quanto devem ter sido em Woodstock. Temas de iluminação e conexão, trauma e recuperação, verdade e mentiras (ou verdades alternativas, no jargão grotesco de alguém) e adoração cega de heróis parecem mais relevantes no século 21 do que Townshend poderia ter imaginado nos últimos dias dos anos 60 .

Com um elenco soberbo liderado pelo estreante na Broadway Ali Louis Bourzgui como Tommy, o “garoto surdo, mudo e cego” – a maior parte de qualquer linguagem menos que aceitável pelos padrões atuais foi mantida – e Alison Luff como sua mãe, a Sra. Tommy parece menos um renascimento do que funciona do que uma reimaginação de cima para baixo. Quase tudo funciona lindamente.

Nem a música – de “I’m Free”, “See Me, Feel Me”, “Sensation” e “Pinball Wizard” a “Acid Queen”, “Christmas” e “Tommy, Can You Hear Me?” – nem o enredo mudou muito nos últimos 55 anos, desde que o primeiro conquistou os ouvintes de rádio FM e o segundo confundiu os hippies chapados na esperança de entendê-lo (o álbum não veio com instruções).

Então, o enredo: em um breve preâmbulo ambientado em 1941, o oficial britânico Capitão Walker (Adam Jacobs) conhece e se casa com a futura Sra. Ele retorna à batalha – assustadoramente retratado com projeções de arquivo e silhuetas em passos de ganso de nazistas em marcha – onde é capturado e enviado para um campo enquanto ela dá à luz seu filho Tommy. Presumindo que seu marido esteja morto, a Sra. Walker começa a namorar um novo homem (Nathan Lucrezio), apenas para ficar chocada quando o capitão volta para casa. Uma briga deixa o amante morto, e Tommy, que viu tudo, traumatizado.

“Você não ouviu, você não viu!/Você não vai dizer nada a ninguém/Nunca na sua vida”, mamãe e papai cantam para o aterrorizado Tommy. Para dizer o mínimo, ele leva a sério suas advertências, refugiando-se em si mesmo e olhando indefinidamente para um espelho.

O primeiro ato do musical retrata Tommy aos 4 e 10 anos de idade – assim como, com menos frequência, o Tommy adulto de Bourzgui, interagindo com eles – através de várias, bem, aventuras seria uma forma educada de dizer. Ele recebeu orações (“Christmas”), foi examinado clinicamente (“Sparks”), levado a várias drogas e antros sexuais de iniqüidade (“Eyesight to the Blind” e “Acid Queen”), atormentado por um primo sádico (“Cousin Kevin” ) e, em “Fiddle About”, deixado sozinho com seu tio Ernie (John Ambrosino), sexualmente abusivo – não há motivo para riso nesta narrativa, ao contrário da grotesca versão cinematográfica de 1975 de Ken Russell.

É o primo Kevin – maravilhosamente interpretado por Bobby Conte – quem inadvertidamente estimula a descoberta de Tommy e conduz o musical ao final do Ato I: depois de alguma crueldade em casa, ele leva seu jovem pupilo para um centro comunitário juvenil local, onde Tommy é misteriosamente atraído por uma máquina de pinball. O resto, como se poderia dizer, é história do rock and roll, enquanto Tommy surpreende o salão cheio de adolescentes com um domínio inexplicável da máquina elétrica.

Muito, é claro, se espera de “Pinball Wizard”, uma das músicas mais queridas do catálogo do The Who, e na exuberante e best-of-show coreografia de Lorin Latarro, todas as expectativas são atendidas. Os adolescentes quase explodem em uma dança febril de euforia e admiração boquiaberta.

A segunda metade do show segue a ascensão de Tommy de herói local a celebridade nacional – um dos melhores conceitos de Townshend sempre foi a substituição da magia do pinball pelo estrelato do rock – incluindo sua descoberta emocional (“Smash The Mirror”, “I’m Free”) quando sua visão, audição e fala retornarem. A “Cura Milagrosa” o leva às alturas do estrelato (“Sensation”) e às suas profundezas (“Sally Simpson”).

Neste ponto do show, o musical se desvia tanto do álbum quanto do filme, eliminando a música “Tommy’s Holiday Camp”, na qual o velho e repugnante tio Ernie (interpretado para rir no filme por Keith Moon do The Who) está de volta na casa de Tommy. boas graças e realizando um retiro temático de Tommy para os fãs. Não existe esse perdão geral aqui: quando vimos pela última vez o pedófilo alcoólatra e abatido, ele permaneceu separado do resto da família Walker. Até o primo Kevin encontrou o caminho de volta ao redil, colocando suas habilidades desagradáveis ​​em uso (sem o conhecimento de Tommy) como guarda de segurança autoritário da família, completo com um casaco longo que pousa em algum lugar entre a China comunista e 1984.

A Rainha do Ácido (Christina Sajous), assim como o primo Kevin, recebe um pouco, se não a exoneração, pelo menos alguma compreensão: a impenitente trabalhadora do sexo e traficante de drogas do retrato do filme de Tina Turner, encarregada de efetuar algum tipo de cura corrompendo a criança Tommy é mostrado aqui como uma vítima, com um ou dois cafetões fornecendo a heroína que a mantém na linha.

De qualquer forma, “Tommy’s Holiday Camp” não é esquecido, com o muito mais adorável “Welcome” servindo a mesma função de transmitir a tentativa de Tommy de se conectar com seus seguidores enquanto rejeita suas expectativas messiânicas. Não vai bem, como evidenciado pelo maior hino de revolta e desafio da multidão no rock (aqui interpretado pelo excelente refrão da produção, com a palavra “break” substituindo “rape”, um sentimento odioso mesmo em 1969) .

“Nós não vamos aceitar, nunca aceitamos e nunca aceitaremos
Não quero nenhuma religião e até onde podemos dizer
Nós não vamos levar você, nunca fizemos e nunca iremos
Nós não vamos te levar, nós te abandonamos, vamos te quebrar
Vamos te esquecer melhor ainda”

A partir daí, está tudo acabado, exceto o final do barnburner, uma reprise completa de “See Me, Feel Me”/”Listening To You” que deixou o público na performance revisada de pé e rugindo, uma recepção que havia sido provocada destacado não apenas por um elenco impecável e uma trilha sonora empolgante (a orquestra e as orquestrações atendem perfeitamente à ocasião), mas por mais de duas horas de magia visual. O cenógrafo David Korins (Hamilton) concebeu uma base enganosamente minimalista, com grandes espaços abertos, telas e mobiliário que podem parecer mera sugestão – a máquina de pinball é pouco mais que uma moldura. Salpicando esta tela cavernosa com extraordinárias exibições de luz (cortesia da designer Amanda Zieve) e projeções de última geração de Peter Nigrini, o mundo da Tommy é menos as campainhas e sinos das máquinas de pinball de antigamente do que uma mistura 3-D de Tronshow de laser estilo e realidade virtual você está aí. Há até alguma mídia mista no estilo Ivo van Hove incluída para garantir.

Combinando as projeções de salto no tempo de Nigrini, de Blitz para VR, em cada etapa do caminho, estão os trajes extremamente inventivos de Sarafina Bush, capturando a essência de cada época sem ser vítima daquele bicho-papão do teatro musical da replicação de fantasias de Halloween. A monotonia do pós-guerra dá lugar ao flash de Teddy Boy, que segue aos primeiros Beatles da era do couro e, inevitavelmente, aos cinzas distópicos do futuro retro-fascista que o próprio Orwell pode ter imaginado. Em todas as épocas, Bush envia soldados-droog-robôs bajuladores com capacetes pretos e lustrosos para fazer qualquer quantidade de travessuras.

Manter tudo pulando, literalmente, é a coreografia emocionante de Latarro, nunca melhor do que nas loucas celebrações do abandono adolescente dos anos 50 e 60, seja o História do lado oeste rufião de “Tommy, Can You Hear Me” ou aquela maravilhosa dança arcade de “Pinball Wizard”. Preste atenção aos detalhes: a certa altura, enquanto o jovem Tommy deslumbra a multidão com sua magia Bally Table, os rapazes e moças entusiasmados levantam os pés do menino tão alto que o corpo do garoto fica em um ângulo de 2 horas, amarrado apenas ao máquina por seus dedos malucos. Isso pode ser outra coisa senão uma homenagem à foto icônica de um jovem Elton John chutando as pernas para trás enquanto bate nas teclas do piano, a metáfora do mago do pinball e estrela do rock de Townshend deixada clara em um momento alegre de teatro?

É claro que nada dessa agitação funcionaria sem um elenco para justificá-la, e McAnuff, um diretor exemplar que realmente nunca esteve melhor, reuniu um grupo muito digno. Bourzgui, seu cabelo preto encaracolado coroando um rosto bonito dominado por grandes e escuros olhos de Bette Davis que permanecem arregalados e vagos até que não estejam, é uma das verdadeiras descobertas desta temporada. Com movimentos excêntricos e angulares que chegam a ser robóticos, Bourzgui passa das expressões afetadas de um homem preso em seu corpo aos gestos fluidos e emocionantes de seu eu adulto, guiando suas iterações mais jovens, perdidas em si mesmos. Os movimentos de estrela do rock que eventualmente chegam parecem totalmente inevitáveis, sua voz encontrando o ponto ideal entre o uivo de Roger Daltrey e o controle do teatro musical.

A propósito, essas iterações mais jovens de Tommy foram tocadas na performance revisada por Olive Ross-Kline (Tommy aos 4) e Quinten Kusheba (10 anos), ambos (adoravelmente) perucados com a mesma juba rebelde esportiva Bourzgui, e ambos tiveram chances brilhar como atores e cantores. (Ross-Kline e Kusheba dividem os papéis com, respectivamente, Cecilia Ann Popp e Reese Levine; quem tomou a decisão de escalar os Tommys mais novos com meninas, brava).

Também não há elos fracos no resto do elenco. Conte, tão bom no mais recente da Broadway Empresa, não é menos um ponto positivo aqui, encontrar tanto o humor quanto a ameaça no primo Kevin, “o valentão da escola, o trapaceiro da sala de aula, o amigo mais desagradável que você já conheceu”. Conte recebe talvez a música mais subestimada da trilha (“Cousin Kevin”, escrita pelo baixista do The Who, John Entwistle), e a segue.

Luff, como a mãe sofredora, ocasionalmente equivocada, mas sempre dedicada de Tommy, é uma maravilha, alcançando o apogeu do show com o raver do Ato II “Smash The Mirror”. (Ela é igualmente impressionante com a balada mais calma, dueto de marido e mulher, “I Believe My Own Eyes”, com Jacobs, embora esse número, adicionado por Townshend muito depois do álbum de rock original, continue sendo a dor de cabeça do musical de palco.)

Notável entre o grande conjunto é Sheldon Henry como o cafetão Hawker que apresenta a Acid Queen com “Eyesight To The Blind” (um número ameaçador de blues que deve muito, para dizer o mínimo, ao grande Sonny Boy Williamson). Sajous, como a Rainha Ácida, não tem o poder vocal estridente da Tina Turner do filme – quem tem? – mas dá ao personagem e à música sensual uma profundidade ferida que parece totalmente atual.

Quando Townshend escreveu a questão central do álbum – “Você consegue me ouvir?” – em 1969, ele poderia ter dirigido a letra ao seu alter ego fictício, Tommy, mas os ouvintes perspicazes reconheceram o apelo por uma conexão maior, seja espiritual, comunitária, familiar ou mesmo pessoal. Todos estes anos depois, a questão permanece no cerne da Quem é Tommye podemos responder, com muito prazer, alto e claro.

Título: Quem é Tommy
Local: Teatro Nederlander da Broadway
Diretor: Des McAnuff
Livro: Pete Townshend e Des McAnuff
Música e Letra: Pete Townshend
Coreografia: Lorin Latarro
Elenco: Ali Louis Bourzgui, Alison Luff, Adam Jacobs, John Ambrosino, Bobby Conte, Christina Sajous, com Haley Gustafson, Jeremiah Alsop, Ronnie S. Bowman Jr., Mike Cannon, Tyler James Eisenreich, Sheldon Henry, Afra Hines, Aliah James, David Paul Kidder, Tassy Kirbas, Lily Kren, Quinten Kusheba, Reese Levine, Brett Michael Lockley, Nathan Lucrezio, Alexandra Matteo, Mark Mitrano, Reagan Pender, Cecilia Ann Popp, Daniel Quadrino, Olive Ross-Kline, Jenna Nicole Schoen, Dee Tomasetta, e André Tufano.
Tempo de execução: 2h10min (incluindo intervalo)