Se Wassily Kandinsky dobrasse o mundo visível aos caprichos de sua tela, reduzindo cenas de sala de concerto para poças de cor e linha, Sonia Delaunay parece ter funcionado ao contrário.
Designer de moda e têxtil de profissão, a ucraniana Delaunay (1885-1979) encheu o mundo com padrões arrojados e encantadores – com os chevrons, as redes de pontos e os movimentos florais dos muitos lenços e vestidos que criou em França – e depois deixou-a pinturas refletem os resultados.
Ou pelo menos essa é a impressão dada pelo Bard Graduate Center’s “Sonia Delaunay: Arte Viva,” uma descoberta lúdica, mas rigorosa, de 184 peças de vestuário, artefatos e pinturas – a maioria emprestada da França – abrangendo 60 anos de Delaunay carreira.
Nos museus e nos livros didáticos, Sonia tende a ficar com o marido, o pintor francês Robert Delaunay, com quem se casou em 1910. Nessa época, Sonia, originalmente formada como pintora na tradição fauvista, trouxe o tecido para a sua prática. Amigos dos poetas Guillaume Apollinaire e Blaise Cendrars, os dois tornaram-se figuras da abstração inicial da Europa e expuseram regularmente juntos, mesmo após a morte de Robert em 1941, e muitas vezes a pedido de Sonia.
Mas o vocabulário partilhado que Sonia e Robert desenvolveram nas décadas de 1910 e 1920 – os círculos divididos e os segmentos radiais que preenchem ambas as suas telas – pode ser difícil de analisar quando os museus exibem os dois pintores juntos, como acontece frequentemente.
Na verdade, os curadores da mostra atual, Laura Microulis, do Bard Graduate Center, e Waleria Dorogova, especialista em Delaunay, nem sempre isolam o tema. Ao estudar o longo livro de acordeão “A Prosa do Transiberiano e da Pequena Jeannie da França” (1913), onde Sonia desenhou formas serpentinas e tutti-frutti em guache ao lado de uma coluna de versos de Cendrars, você seria perdoado por confundindo-a com a autora da “Natureza morta portuguesa” (1916) exposta na mesma sala, a tela pastel de Robert onde ondulações concêntricas emanam dos núcleos de frutas e vasos sobre uma mesa.
A inclusão de Robert no espetáculo, embora afirme a antiga reputação de “casal poderoso” desses dois artistas, parece ter como objetivo restaurar a opinião de Sonia na parceria criativa.
Por exemplo, uma foto em preto e branco de Portugal, onde o casal viveu brevemente durante a Primeira Guerra Mundial, explica que os campos de força ondulantes na natureza morta de Robert não foram inteiramente sua invenção. Sonia tinha jarras, vasos e toalhas estampadas com grossos ziguezagues, pedaços de torta e alvos. Robert estava apenas gravando sua cena: toda uma cozinha vibrante que exemplifica algo que Sonia articulou em uma entrevista muito mais tarde – daí o título e o tema do programa – que “Eu vivi minha arte”.
Os têxteis, porém, são a nossa melhor chance de deixar Sonia sozinha por um momento. Enquanto os dois Delaunays pintavam, apenas Sonia tingia, bordava, acolchoava e costurava. Bard expõe cloches, bolsas, vestidos, cortinas, estofados. Nos primeiros andares da exposição, seu “Robe Simultanée” e o “Gilet Simultané”, vestido e colete patchwork de 1913, obedecem ao mesmo padrão de vórtice descendente de sua colagem de papel “Solar Prism” (1913) e aos mesmos contrastes de textura empregada muito mais tarde em sua pintura “Rhythm-Color” (1970).
Alguns momentos muito fortes de design de exposição (nada fácil com tantos objetos de formas estranhas, frágeis e iterativos) compensam em uma parede de amostras de seda crepe da oficina de Sonia. Ela os chamou de “tecidos simultâneos” em homenagem à última palavra da moda para o alcance multimídia da nova abstração: “simultanismo”. O padrão 86, que Sonia desenhou em 1925, mostra um motivo de tijolo ondulado em gradiente de azul. O padrão 182 de 1926, com suas caixas vermelhas e pretas entrelaçadas, é uma obra do minimalismo colorido antigo, a par de seu contemporâneo alemão, o geometrista Josef Albers.
Inspirados pelo teórico Michel Eugène Chevreul – cujo tratado de 1839 sobre harmonia de cores está em exibição nesta exposição – Sonia e seus colegas pioneiros da abstração tiveram que treinar os elementos individuais da cor, como contraste, inversão e valor, para falarem por si mesmos como nunca antes.
Flutuados em divisórias de vidro entre as amostras estão os “cartões de cores” instrucionais de Sonia para o fabricante de tecidos. Exatas e propulsivas, essas cores mostram que ela entendia os parentescos e as rivalidades da tonalidade com um instinto astutamente comercializável.
Seus tapetes, tapeçarias, mosaicos, capas de discos e designs de automóveis, das décadas de 1960 e 1970, mostram a era Pop ansiando por esta estadista mais velha. coisas. Em uma tela em loop, um videoclipe acompanha a jovem cantora Françoise Hardy através de paredes desenhadas por Sonia. (Se você estiver em Los Angeles, ainda poderá ver uma de suas obras finais, o arco triunfal do parque de diversões artístico de Hamburgo da década de 1980, Luna Luna.)
Em 2012-13, o blockbuster do Museu de Arte Moderna “Inventando a Abstração” refez como os companheiros de Sonia conseguiram abandonar o tema: Albers pegou emprestado dos vitrais, Kandinsky do compositor Schoenberg, Robert Delaunay do sol. Ele olhava para ele até que as cores inversas violassem suas retinas e depois pintava o que via.
Sonia foi uma presença constante nessa rodada impressionante, e seu desfile de 2011 na Cooper Hewitt ensinou aos americanos que seus tecidos esquecidos também eram arte moderna. Mas somente no denso guarda-roupa de um espetáculo de Bard é que as fontes da voz pictórica de Sonia se tornam óbvias: as texturas de tecido agrupáveis, unidas e repetíveis.
As pinturas que ela fez durante o luto por Robert têm toda a urgência agitada das bandeiras da marinha. Seu “Rhythme” de 1945, que acelera o pulso, dobra listras geométricas como um lenço. Em uma das muitas fotos da mostra, Robert pinta sua amiga Thérèse Bonney em um desses cachecóis desenhados por sua esposa. Infelizmente não está em exibição, embora reproduzido e discutido no catálogo robustoé sua primeira abstração, de 1911: uma colcha de retalhos para o berço do filho.
Um grande passo em direção ao renascimento recentemente desfrutado pela irmã de Sonia no minimalismo têxtil, Anni Albers, este espetáculo puxa as costuras que ligam Sonia a Robert no brocado do modernismo europeu. É um bem-vindo destaque americano sobre um visionário já amado na França, e um prelúdio importante para o Guggenheim’s próxima pesquisa de sua cena parisiense.
Um século depois, as colisões de forma e função de Sonia ainda emocionam e inspiram. “Assim como na poesia, o mesmo ocorre com as cores”, escreveu ela para uma exposição em 1966. “É o mistério da vida interior que liberta, irradia e comunica. A partir daí, uma nova linguagem pode ser criada livremente.”
Sonia Delaunay: Arte Viva
Até 7 de julho, Bard Graduate Center Gallery, 18 West 86th Street, Manhattan; (212) 501-3000; bgc.bard.edu.
