(AP) – Quem sabia o que a última era de Taylor Swift traria? Ou mesmo como seria o som? Seria construído a partir do mau humor de “Meia-Noite” ou o povo do “sempre”? O país ou o Pop dos anos 80 de suas últimas regravações? Ou os seus dois antecessores em capa a preto e branco: o pop de vingança de “Reputation” e a literária americana do “folclore”?
“The Tortured Poets Department”, aqui sexta-feira, é um amálgama de todos os itens acima, refletindo a artista que – no auge de seus poderes – passou os últimos anos regravando o trabalho de sua vida e percorrendo seu material, filtrado através de hinos de synth-pop, baladas de rompimento, considerações provocativas e maduras.
Em momentos, seu 11º álbum parece um derramamento de sangue: um expurgo catártico após um grande desgosto entregue por meio de uma execução vocal ascendente, um verso elegíaco ou produções sintetizadas móveis que ressaltam os poderes da narrativa de Swift.
E há surpresas. O primeiro single e abertura “Fortnight” é “1989” crescido – e apresenta Post Malone. Pode parecer uma combinação engraçada, mas ainda vai demorar: pelo menos desde 2018, os fãs de Swift sabem de seu amor por “Better Now” de Malone.
“But Daddy I Love Him” é o retorno do country Taylor, em alguns aspectos – composições de contos de fadas, um refrão completo da banda, um riff de violão corajoso e uma inversão lírica atrevida: “Mas papai, eu o amo / estou tendo o dele. baby / Não, não sou / Mas vocês deveriam ver seus rostos. (Babies aparecem em “Florida!!!” e na faixa bônus “The Manuscript” também.)
A fictícia “Fresh Out the Slammer” começa com um tom de guitarra psicológico muito bonito que desaparece sob a produção soprada pelo vento; a nova onda adjacente “My Boy Only Breaks His Favorite Toys” traz de volta “Barbie”: “Eu senti mais quando brincamos de faz de conta do que com todos os Kens / Porque ele me tirou da caixa.”
Mesmo antes Florence Welch dá início ao seu verso em “Florida!!!”, a repetição explosiva do refrão do título da música atinge forte o nostálgico indie rock dos anos 2010, talvez uma versão Swiftiana do universo alternativo de “Illinois” de Sufjan Stevens.
Como diz outro título, “Até logo, Londres”, de fato.
Seria um desserviço ler as canções de Swift como puramente diarísticas, mas essa faixa – a quinta deste álbum, que seus fãs normalmente consideram o trecho mais devastador de cada álbum – evoca paralelos impressionantes com seu relacionamento com um certo ator inglês que ela dividir com em 2023. Coloque-o ao lado de uma ode de amor sonolenta como “The Alchemy”, com suas referências a “touchdown” e corte de alguém “do time” e bem… a arte imita a vida.
A vingança ainda é um tema difundido. Mas onde os hinos de represália em “Midnights” eram vingativos, em “The Tortured Poets Department”, há novas complexidades: “Who’s Afraid of Little Old Me?” combina a ambição musical de “evermore” e “folklore” – e adiciona um baixo retumbante na ponte – com sensibilidades arrancadas da obstinada “Reputation”. Mas aqui, Swift principalmente troca a vitimização por autoconfiança, com verrugas e tudo.
“Quem tem medo de mim?” ela canta. “Você deveria estar”, ela responde.
E, no entanto, “The Smallest Man Who Ever Lived” pode ser sua música mais mordaz até agora: “Você não está à altura de um homem”, ela canta no topo de um piano propulsor. “Vou esquecer você, mas nunca vou perdoar”, ela descreve seu alvo, provavelmente o mesmo “golden retriever tatuado”, uma descrição jejuna, mencionada na faixa-título.
Os erros são poucos, encontrados em outras letras e canções piegas como “Down Bad” e “Guilty as Sin?” que vacilam quando colocados ao lado dos momentos pop mais meditativos do álbum.
Em outro lugar, Swift mostra seu melodrama e melancolia como um espelho – ela está chorando na academia, não conte a ela sobre “triste”, ela pode chorar? Ela morreu por dentro, ela acha que você pode querer ela morta; ela acha que pode simplesmente morrer. Ela ouve as vozes que lhe dizem “Luzes, câmera, vadia, sorriso / Mesmo quando você quer morrer”, enquanto canta “I Can Do It With a Broken Heart”, uma música sobre suas próprias performances – no palco e como uma figura pública.
“Estou infeliz e ninguém sabe!” ela ri no final da música antes de suspirar: “Tente vir buscar o meu trabalho”.
“Clara Bow” entra no panteão de grandes faixas finais de um álbum de Swift. O título se refere à estrela do cinema mudo da década de 1920 que ardia rápido e brilhante – uma das primeiras “it girl” e símbolo sexual de Hollywood sujeito a fofocas mordazes, vítima da misoginia fácil e cotidiana amplificada pelas celebridades. Depois que o forte sotaque de Bow no Brooklyn foi ouvido nos filmes falados, houve rumores de que sua carreira havia acabado.
Em vida, Bow mais tarde tentou o suicídio e foi enviado para um asilo – a mesma instituição que aparece em “Who’s Afraid of Little Old Me?” “Clara Bow” funciona como uma alegoria e um conto de advertência para Swift, da mesma forma Stevie Nicks’ “Mabel Normand” – outra trágica estrela do cinema mudo – funcionou para a estrela do Fleetwood Mac.
Nicks também aparece em “Clara Bow”: “Você se parece com Stevie Nicks em 75 / O cabelo e os lábios / A multidão enlouquece”.
Mais tarde, Swift vira a câmera para dentro e a música termina com ela cantando: “Você se parece com Taylor Swift sob esta luz / Estamos adorando / Você tem vantagem / Ela nunca teve.” O álbum termina aí, no que poderia ser lido como autodepreciação, mas dói mais como uma autoconsciência frustrante.
Swift canta sobre um poeta torturado, mas ela também é um. E não é ótimo que ela tenha se permitido a licença criativa?
